The Artist(El Aritista)

THE ARTIST(El Artista):

Cartel de la película:

Ficha Técnica:

El artista (Hispanoamérica) The Artist (España)
Ficha técnica
Dirección	Michel Hazanavicius
Producción	Thomas Langmann
Guion	Michel Hazanavicius
Música	Ludovic Bource
Fotografía	Guillaume Schiffman
Montaje	Anne-Sophie Bion Michel Hazanavicius
Protagonistas	Jean Dujardin Bérénice Bejo John Goodman James Cromwell
Ver todos los créditos (IMDb)
Datos y cifras
País(es)	Francia Bélgica
Año	2011
Estreno	15 de mayo (Cannes) 12 de octubre (Francia)
Género	Comedia romántica Drama Muda
Duración	100 minutos
Clasificación	Imágenes perturbadoras y gestos crudos
Idioma(s)	Francés Intertítulos en inglés
Formato	35 mm
Compañías
Productora	La Petite Reine, ARP Sélection
Distribución	Warner Bros. Pictures
Estudio	La Petite Reine ARP Sélection Studio 37 La Class Americane France 3 Cinema U Film Jouror Productions JD Prod Wild Bunch

Reflexión sobre la película:

Interesante e impactante porque nos narra un poco la transición que se vivió del cine muo hasta el cine sonoro

TEMA 5: LA IMAGEN EN MOVIMIENTO

TEMA 5: LA IMAGEN EN MOVIMIENTO:

5.1: LA HISTORIA DEL CINE HASTA EL FINAL DE LA ÉPOCA MUDA

En el año 1895 Thomas Alba Edison comienza la historia del cine con la creación del predecesor del cinematógrafo.

Los verdaderos inventores del cine fueron los Hermanos Lumiere en el año 1895 en Francia al inventar el cinematógrafo.

George Meliés fue el inventor de los film o películas fantásticas. A partir de ese momento el cine ya tiene unos determinados géneros pero todavía no hubo ni sonido ni color en el cine.

Biografía George Meliés: Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).


El cine llegó a España de la mano de Segundo de Chomón en Cataluña que fue el pionero del cine español.

Pathé y Gaumont crearon las primeras industrias cinematográficas(Conocidas como Pathé(Francia)y Gaumont(Alemania) actualmente) del cine mundial siendo ellos sus primeros directores.

El cine cambia de temas al incorporarse los elementos de la religión o incluso elementos de la Literatura o el Teatro.

Sin embargo, en España se iniciaría la industria del cine en Cataluña con las primeras productoras completamente españolas(Barcelona Films e Hispano Films).

En América el cine lo introduce Griffith porque produce la primera película casi completa(El sonido llega el 1928 al cine con la película "El músico de jazz" y el color llega al cine en 1935 con la película " La Feria de la Vanidad") en blanco y negro. El había establecido la gramática tradicional del cine con la introducción de palabras como " plano", "secuencia", "escena"  en la película" El Nacimiento de una Nación"(1910)  y también había encontrado a estrellas de cine como Mery Pickfort (la mujer estrella del cine mudo).

Charles Chaplin fue uno de los cineastas totales ya que el mismo producía, dirigía y actuaba al mismo tiempo entrañando a personajes tan míticos en la historia del cine como Charlotte(Charles Chaplin se identificaba a si mismo con ese personaje).

Biografía Charles Chaplin: Sir Charles Spencer "Charlie" Chaplin, KBE (Londres, Inglaterra, 16 de abril de 1889 – Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977) fue
un actor, humorista, compositor, productor, director y escritor británico. Adquirió popularidad gracias a su personaje Charlot en múltiples películas del período mudo.A partir de entonces, es considerado un símbolo del humorismo y el cine mudo. Para el final de la Primera Guerra Mundial, era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial.

Sus padres también estuvieron relacionados al mundo del espectáculo, especialmente al género del music-hall. Chaplin debutó a la edad de cinco años, reemplazando a su madre en una actuación. Para 1912, ya había actuado con la compañía teatral de Fred Karno, con quien recorrió diversos países.

Con su personaje Charlot, debutó en 1914 en la película Ganándose el pan,³ y durante ese año rodó 35 cortometrajes, entre ellosTodo por un paraguas, Charlot en el baile y Charlot y el fuego. Sin embargo, las películas más destacadas de Chaplin fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1935) y El gran dictador (1940). Sus técnicas al momento de filmar incluían slapstick, mímica y demás rutinas de comedia visual. Desde mediados de la década de 1910 dirigió la mayoría de sus películas, para 1916 también se encargó de la producción, y desde 1918 compuso la música para sus producciones. En 1919, en colaboración con Douglas Fairbanks, David Wark Griffith y Mary Pickford, fundó la United Artists.⁴

A lo largo de su vida, Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones. Recibió el premio Oscar Honorífico en 1928 y 1972, fue candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, fue distinguido con la Orden del Imperio Británico en 1975^5 6 y se colocó una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970. En 1952, tras una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York y La condesa de Hong Kong, sus últimos trabajos.⁷ Falleció el Día de Navidad de 1977.⁸

Chaplin estuvo casado en cuatro ocasiones –con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O'Neill–, y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

Keaton inició la  primera corriente cinematográfica en Alemania: El Expresionismo Alemán. Así se iniciaron las corrientes cinematográficas.

Biografía Keaton: Joseph Francis "Buster" Keaton (Piqua, Kansas, 4 de octubre de 1895 - Woodland Hills, California, 1 de febrero de 1966) fue un famoso actor, guionista y director estadounidense de cine mudo cómico.

Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, "Cara de piedra". En España fue conocido artísticamente como Pamplinas, o cara de palo. Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vodevil. El apodo de Buster fue puesto por el gran mago Harry Houdini, colaborador del padre de Buster, que, al verlo caer de una escalera sin una sola herida a la edad de tres años, exclamó: "That was a real buster!", que podría traducirse por: "¡Menuda caída!", o también "¡Qué tipo más tremendo!" o "¡Qué temerario!".

Como curiosidad cabe añadir que no está relacionado con Diane Keaton¹ ni con Michael Keaton (cuyo verdadero apellido es Douglas, pero se lo cambió para no ser confundido con el hijo de Kirk Douglas).

Se iniciaba el género burlesco del cine aunque también hay que destacar los cómicos definidos como El Gordo y el Flaco.

Aquí tenéis un extracto de la película El Acorazado Potemkin(Einsestein) La Escena de la Escalera:

La Época Muda del cine llegaba a su fin en el año 1928 con la película "El músico de Jazz" que fue la primera película sonora".

Estas informaciones están basadas en los siguientes vídeos que habían sido realizados por la Editorial Casals de España:

5.2: LOS COMIENZOS DEL CINE SONORO:




El cine sonoro comienza en 1928 con la película "El músico de Jazz" y también supuso una nueva corriente cinematográfica que poco a poco las industrias del cine fueron adaptando.

El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección de la película en su local de París. 

Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.

Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la mísma época, León Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en la Exposición Universal de París de 1900.

Según la publicación "Where Else but Pittsburgh" la primera película de cine épica se llamó ‘El Foto-Drama de la Creación’, y aunque apareció 15 años antes que se produjeran otras películas sonoras, ofreció una combinación de películas cinematográficas y fotografías sincronizadas con un discurso grabado. Se dividía en cuatro partes, duraba un total de ocho horas y la vieron aproximadamente 8.000.000 de personas”

Esta producción estaba compuesta de diapositivas fotográficas y película cinematográfica acompañadas de discos fonográficos de discursos y música. El Anuario de los Testigos de Jehová de 1979 dijo: "Hubo que pintar a mano todas las diapositivas y películas de color. El Foto-Drama duraba ocho horas, y, en cuatro partes, llevaba a los auditorios desde la creación, a través de la historia humana, y hasta la culminación del propósito de Jehová para la Tierra y el género humano al fin del reinado milenario de Jesucristo" Fue una producción de la Asociación Internacional de Estudiantes de la Biblia. Todos los asientos eran gratis y jamás se hacía una colecta. Además, esta producción de color y sonido repleta de hechos bíblicos, científicos e históricos entró en la escena años antes que las películas cinematográficas comerciales de color y de largo metraje acompañadas de diálogo grabado y música fueran vistas por los auditorios en general.

En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm, creado por el ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los problemas de sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la misma película; así, rodó 18 cortos para promocionar la técnica, entre ellos uno de 11 minutos de Concha Piquer, que se considera la primera película sonora en español. No obstante, por falta de financiación el invento se postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric apostó por él.

En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido Vitaphone, sistema en el cual la banda sonora estaba presente en discos sincronizados con la proyección. Se incorporó por primera vez en una producción comercial titulada Don Juan (1926) de Alan Crosland, así como en otra de sus películas, Old San Francisco (1927). En ésta incorporó por primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo la película sonora más exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado nada». Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo: la cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole importancia al diálogo.

 Los actores también se vieron implicados en este cambio técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo.

 Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952) y también la película "El artista" (2011) al estilo de película muda en blanco y negro.

Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como Tiempos modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador". Así mismo, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov publicaron un manifiesto en 1928 manifestando su negativa al cine sonoro.

El cine sonoro hizo desaparecer la función que cumplía el conjunto musical al acompañar el visionado del cine mudo. El silencio cobra importancia como nuevo elemento dramático desconocido por el cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora.

Algunos diálogos del cine(Fragmentos de películas):

 

¿QUÉ SIGNIFICA EL SONIDO EN EL CINE?

En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original. El sonido es parte fundamental del cine ya que la percepción del sonido en el cine incluye: vibraciones interpretada por el cerebro a través del sistema auditivo (procedencia, intensidad, tonalidad, materiales, espacio etc.), cualidades del sonido estéticas como texturas y frecuencias, y cualidades del sonido psicológicas (sugerentes, agradables, inquietantes o molestas). También se manejan estímulos sonoros. El sonido es muy importante porque amplía los límites de la pantalla, soluciona problemas narrativos, cohesiona el montaje, influye en el espectador de forma inconsciente y transmite historias y emociones.

Análisis de un cartel publicitario

ANÁLISIS DE UN CARTEL PUBLICITARIO:

OBJETIVO:

Lo que se ve es a una mujer intentando besar a un hombre mientras se está afeitando. 

El entorno que se ve al observar detenidamente este cartel publicitario es un cuarto de baño de una casa cualquiera; eso nos quiere decir que el producto que se anuncia es para todos los tipos de públicos, no para unos sí y otros no y el producto en concreto, es para, mayoritariamente, hombres que se afeitan.

También vemos una línea de fuerza entre la mujer y el hombre que va desde la mujer al hombre porque le está a punto de besar.

En cuanto al color presenta tonalidades azules tirando a lila o violeta lo que nos indica que el producto va dirigido a hombres que se afeitan sobre todo.

El producto aparece en la parte de abajo de este cartel publicitario encima de una toalla lo que significa que el producto se debería utilizar en los cuartos de baño de cada casa.

En cuanto al logotipo y al lema cumple una función de anclaje ya que sin ese logotipo y sin ese lema pues solamente veríamos una serie de elementos sin orden.

En cuanto al tipo de imagen es una imagen compleja ya que aparecen varios elementos como la crema de afeitar, el cuarto de baño,el hombre, la mujer,etc...

En cuanto a la luz de la imagen podemos decir que se trata de una luz artificial(si se ve desde el punto de vista de las bombillas del baño) o natural(si se ve desde el punto de vista de una ventana abierta en un día totalmente soleado y sin nubes de una ciudad cualquiera). Y aparece pues, luz cenital debido a que en el hombre se ve más luz que en la mujer y la luz sigue otra línea de fuerza distinta a la línea central de fuerza del cartel,Que se da entre la mujer y el hombre siguiendo una dirección horizontal.

En cuanto al nivel de iconicidad, este cartel responde al nivel estándar de iconicidad; el nivel 5 o el nivel 6, ya que no se ve ningún elemento que sea abstracto y ningún elemento que sea muy real.

También; pues vemos 2 cuadrados individuales en el cartel: El primero sería la escena principal en la que se ve esa escena antes mencionada en el principio de este análisis y el segundo cuadrado en realidad sería ese un rectángulo en el cual se vería el producto en sí y el lema.

Responde, este cartel, pues, a una especie de estereotipo masculino en el que los hombres se afeitan la barba y las mujeres con barba(Fenómeno muy raro); no.

Su descripción técnica; pues será: 

• Producto dirigido a Hombres
• El producto: Una crema de afeitar

SUBJETIVO:

El lema "EL PLACER DE TODOS LOS DÍAS" significa que con esa crema de afeitar y esos productos sentirás un placer pero en realidad lo que quiere transmitir es una sensación de placer para que más clientes compren esa determinada marca para que esa determinada marca gane beneficios.

Sabiendo además que esta marca poseía otros productos como jabones, calendarios, etc...Este cartel también nos incita a comprar esos otros productos de la marca LEA.

Esta marca sigue existiendo en la actualidad y es una de las cremas clásicas del Método del Afeitado Clásico(MEA) que empezó con el afeitado del primer homínido en la Prehistoria hace ya más de 4000 años a. C. en la Edad de Piedra

Haríamos un análisis parecido si fuera un anuncio de alguna otra marca parecida de afeitado clásico como Gilette(Inglaterra), Wilkinson Sword(Inglaterra) u otras marcas de afeitado.

CONCLUSIÓN GLOBAL:

Anuncio interesante debido a que es un anuncio que tiene muchos elementos y nos presenta un montón de cosas ya descritas en este análisis.

También fue una imagen impresionante en su momento de lanzamiento debido a que la gente en España; en el año mil novecientos noventa y algo, no conocía ni la crema de afeitar, ni el método de afeitado clásico ya que hasta ese año no hubo una marca de cremas y cuchillas de afeitar que se hubiese consolidado como lo hicieran Gillete o Wilkinson Sword u otras en los posteriores años al patrocinar eventos deportivos como Mundiales de Fútbol de la FIFA  o Eurocopas de Fútbol de la UEFA u otros eventos deportivos importantes.

TEMA 4: LA IMAGEN FIJA

 

TEMA 4: LA IMAGEN FIJA

A)Aspectos globales:

• Tamaño: Son las medidas que tiene la imagen.
• Formato: Son las diferentes extensiones que tiene la imagen.
• Nivel de iconicidad: Es el nivel que posse la imagen para captar la realidad. Puede ir del Nivel 1(Abstracta) hasta el Nivel 10(Realista).
• Simplicidad/Complejidad: Número de elementos que posse una imagen.
• Connotación/Denotación: Número de significados que posee una imagen.
• Representa a personas, objetos u acontecimientos.

B)Signos básicos de la imagen:

• Puntos

• Líneas

• Formas
• Textura
• Luz

B.1)Clases de luz

• Natural
• Artificial
• Frontal
• Centital
• Central

Color: Tonalidades que tiene una imagen

Encuadre: Límites que tiene una imagen en torno a la escala, la angulación y la óptica.

Composición: Número de elemntos que tiene una imagen y que pueden influir en un peso visual mayor o menor dependiendo del número de elementos y de la complejidad que tenga(Simple o conpleja)Además atendiendo a que los elementos puedan estar en el centro o no de una imagen.

En alguno de estos aspectos se basan los logotipos, las películas, los cuadros, etc...